Искусствовед Анастасия Коновалова о том, насколько востребована культура для духовного роста современного человека

Анастасия Коновалова — искусствовед, преподаватель-исследователь (специалитет кафедры истории искусства исторического факультета Санкт-Петербургского государственного университета (сейчас Институт Истории СПбГУ).

Степень: исследователь, преподаватель-исследователь (аспирантура Института Истории СПбГУ). Опыт преподавания с 2010 года. Член Санкт-Петербургского отделения Творческого союза историков искусства и художественных критиков международной ассоциации искусствоведов (АИС).

Интервьюер – журналист журнала Colady Галина Харитонова.

Colady: Искусство, как отражение реальности, как особое восприятие действительности, всегда является субъективным мнением?

Анастасия: Да, всё, что создаётся человеком – сфера гуманитарного субъективного, потому что человек с его психикой, с его развитием, с его личностью априори не может быть объективным ни в какой сфере.

Поэтому доля субъективности, наверное, процентов на 90 соответствует всему, что производит человек в качестве своего результата творчества. Поэтому, да, восприятие действительности всегда субъективно.

Приведу такой пример: один и тот же человек, который выходит на улицу из дома и попадает под дождь, реагирует на него по-разному в зависимости от своего настроения.

Кто-то может, если это происходит летом, снять обувь и побежать под дождь, бегать по лужам и радоваться тёплому приятному дождю, а другой человек будет возмущаться, грустить, что такая плохая погода, скорее спрячется под зонтик и с плохим настроением пойдёт по своим делам.

Вот точно так же и в искусстве. То, как художник видит реальность, то, как он видит свою действительность, чаще всего, именно так он и отображает её.

Colady: Искусство – это социальный заказ? Какими способами отражаются те или иные точки зрения и взгляды общества?

Анастасия: Тут всё зависит от того, с какой целью творит мастер, потому что, когда мы говорим непосредственно о заказе. Делает он это для какой-то инстанции, либо это частный заказ, в любом случае, в нём выражается социальная активная роль и заказчика и  художника.

И тогда взгляды и точки рения общества общества, в котором вращается заказчик, однозначно, отразятся на его заказе.

И если мы говорим, например, про старое искусство, то только обеспеченные люди чаще всего могли заказывать мастерам произведения, то соответственно, стоит понимать, что это был очень небольшой процент общества, который это мог делать.

Поэтому в искусстве отображались реалии именно этого небольшого правящего класса. Например, аристократы, или богатые буржуа.

Если мы говорим про сегодняшний день, то точно так же, когда заказчик живёт в определённом социальном слое, то соответственно, в его предпочтениях также отражаются взгляды того слоя общества, в котором он обитает.

С другой стороны, художник сам как носитель какого-то социального уровня, без заказа также может создавать какое-то произведение, в нём отображать либо своё фантастическое, мистическое видение, или представление о чём-то, что не соответствует его социальной роли.

Либо опять же, выражать на злобу дня какую-то тему, актуальную для его прослойки общества, для той среды, того мира, в котором он живёт. Поэтому, да, на этот вопрос можно ответить положительно.

Colady: Существует ли противостояние между искусством и интернетом сегодня?

Анастасия: Здесь я отвечу однозначно – сто процентов нет. Хотя бы по той причине, что сегодня искусство и интернет и различные интернет-сферы друг от друга уже неотделимы.

Буквально вчера я получила международную премию портала «Культура онлайн», организованную «Российским Фондом Культуры».

Она как раз-таки присуждается тем проектам, которые творят онлайн: это и крупнейшие музеи типа Эрмитажа, Пушкинского, Третьяковской галереи; это различные театры: Мариинский, Александринский; различные проекты онлайн, в том числе в социальных сетях, несут культуру людям.

Поэтому никакого противостояния в этом нет. Но есть лишь поддержка и прекрасные каналы связи, которых раньше у художников не было. Сегодня любой художник может выйти в интернет, и о нём узнает гораздо большее количество людей, чем в любые другие времена.

Colady: Реализует ли искусство процесс ретроспективы, зачем и кому это нужно?

Анастасия: Однозначно, да. Любое искусство, любого времени, начиная с самых древних времён – это всегда оглядка на прошлое. И подобные реплики, подражания всегда были, есть и будут.

Более того, любой художник проходит этап обучения, когда он не то, что смотрит назад, когда он непосредственно копирует своих предшественников, берёт у них лучшее. Это не исключает того, что со временем, с ростом своего творческого потенциала, своего таланта художник уже отрывается от взгляда в прошлое и творит что-то своё.

Поэтому без вот этого взгляда назад искусство вряд ли может существовать. Другое дело, что были, и есть настолько гениальные личности, например, Пикассо, или Малевич, или Кандинский, которые говорили, что то, что было до них, пора бы уже откинуть и идти в новый мир.

Кому и зачем это нужно? Опять же, всё зависит от времени и от общества. Потому что, например, когда именно ретроспектива была в основе эпохи модерна, когда у него было такое двоякое разделение, что вроде бы и время такое было неспокойное, когда художники, наоборот, за поддержкой, за помощью обращались к прошлому, искали там какую-то основу, какой-то базис, на котором можно укорениться и остановиться.

Вместе с тем они хотели что-то модернизировать, смотреть в будущее, искать какие-то новые пути. И вот эта двоякость была основой модерна, поэтому в некоторых стилях ретроспектива была основой.

Например, если мы говорим о нашем российском искусстве, то художники объединили «Мир искусства», где они также смотрели в прошлое и любили 18 век.

Потому что они горевали по ушедшей классике, по той стабильности, которая была, по тем понятиям эстетики и красоты, которые были раньше, в противовес художникам-авангардистам, которые ломали эти традиции и стремились вперёд.

Кому и зачем это нужно, здесь понять и однозначно сказать сложно, потому что всё же зависит непосредственно от цели и задач, почему художник обращается в прошлое или в будущее. Опять же, заказ это или его личная приверженность,  всё зависит от того, в каком мире, в какой стране, в какое время художник живёт.

Чаще всего, именно обращение в прошлое даёт нам возможность укорениться, почувствовать опору, оплот, твёрдость, от которых надёжно можно отталкиваться и искать дальше что-то своё личное, какую-то свою индивидуальность. Поэтому, наверное, это и является причиной, по которой художники занимаются ретроспективой.

Colady: Может ли искусство оскорбить?

Анастасия: Интересная вопрос. Я думаю, что нет, потому что всё зависит от того, что вы подразумеваете под искусством. В науке искусство – это предмет, то есть неодушевлённая вещь, которая была сотворена художником.

Поэтому может ли вещь кого-то оскорбить? Думаю, вряд ли. Точно так же как любой другой предмет не только в области искусства не может оскорбить. Это может сделать непосредственно сам человек. А вот может ли художник через искусство оскорблять, тут опять же зависит от восприятия зрителя.

Искусство и предмет искусства без зрителя, как и без художника, не существует. Поэтому тут вопрос выбора собственной реакции.

Colady: Можете ли вы развеять или подтвердить миф о том, что художник должен быть голодным, чтобы создавать гениальные произведения?

Анастасия: Это очень любимая для меня тема, потому что действительно это миф, что художник голодный,  огромное количество примеров является показателем того, что это не так. Начать с той же древности, например, самой яркой и всем известной эпохи Возрождения. Тот же Микеланджело, Леонардо да Винчи были богатыми людьми.

Микеланджело был настолько богат, что смог бы скупить полгорода, он был богаче многих аристократических представителей самых богатых родов, поэтому сказать о том, что художник был голодным, для того чтобы творить — нет.

Другое дело, что тот же Микеланджело, например, сам выбирал путь жизни впроголодь, возможно, даже некий путь скупердяйства, ограничений, хотя богатства накопил несметные.

Он мог бы купить дворцы, города, но, тем не менее, продолжал жить в бедных условиях, одевался как нищий, делил постель со своими подмастерьями, вместо того, чтобы купить себе отдельную, поэтому это скорее вопрос поведения художника.

Те же художники Кранахи, мастера северного искусства также были обеспеченными, очень богатыми, да и многие художники двадцатого века.

Это огромный миф, действительно многие были обеспечены до крайности. Вспомним ещё Сальвадора Дали, который вообще был прекрасным маркетологом, прекрасно ориентировался в продажах искусства, ему следовали многие люди. Поэтому нет, это миф точно.

Единственное, если мы возьмем Ван Гога, или каких-то людей, которые, например, могли бы быть бедными, и это транслировать, то это скорее путь собственного выбора.

Потому что он мог бы себя полностью обеспечить — стать богатым, всего лишь чуточку поменяв своё отношение к заказам, создавая произведения, которые были не только ему бы интересны, но и которые бы были в тренде того времени и больше бы продавались. Такая возможность у него была. Почему он этого не делал, это вопрос его личных убеждений.

Colady: По каким критериям измеряется талант?

Анастасия: Здесь, наверное, я вам ответа не дам, потому что этих критериев просто нет. Есть мнение, что талант даётся от Бога, что он врождённый и только такие люди могут творить что-то гениальное.

Есть другое мнение, что талант развивается, и в таком случае, как раз таки, ему учат по каким-то, наверное, критериям. Мне кажется, что на самом деле таких понятий, по которым можно вырастить какого-то талантливого человека просто не существует.

Это просто люди, которые мыслят не так, как большинство, это просто определённая работа мозга, совершенно иная. Мне кажется, что стать талантливым, гениальным может каждый, если бы позаботился о своём мозге, его развитии.

Colady: Какие методы и приёмы вы используете, чтобы участникам ваших лекций было максимально интересно?

Анастасия: Я увлекаюсь науками о мозге и восприятии, запоминании информации.

Чаще всего я стараюсь делать таким образом, чтобы во время обучения ученик мог воспринимать информацию с разных точек зрения: и визуальной, и аудиальной, и чтобы была задействована кинестетика, поэтому мы и слушаем, и смотрим, чаще всего что-то делаем руками. Именно так лучше всего человеком запоминается то, что он усваивает.

Плюс, обязательно в процесс моих базовых курсов входит домашнее задание, где человек сам учится анализировать, оценивать, искать те или иные качества, сам учится творить, либо, наоборот, учится делать что-то иное.

Потому что именно такая практика даёт возможность глубже смотреть, глубже видеть, качественнее узнавать информацию, лучше её запоминать.

Плюс если мы говорим об интересе, то это, конечно же, в очных занятиях непосредственное участие самих слушателей в рассказе на основе своего опыта – это вовлечение.

А если это онлайн-занятия, например, которые уже записаны, то это динамика и возможность переходить, не затягивая от темы к теме, внедряя не только иллюстрации, но и видеоматериал, какой-то игровой, аналитический момент, который даст возможность интерес не растерять и максимально сконцентрироваться на занятии.

Colady: Какие самые значимые произведения мирового искусства с вашей точки зрения и почему?

Анастасия: Вопрос кардинально тяжёлый,  потому что я, наверное, не знаю ни одного человека, который мог бы выделить самые значимые произведения, или даже самых значимых художников, потому что их масса.

Почти каждый художник, попавший в историю искусств, является в чём-то новатором, иначе они бы туда просто бы не попали, поэтому выделить какие-то картины, например, или что-то подобное…

Я бы, наверное, отметила работы, которые были важными в плане смены художественных эпох, художественных стилей. На ум приходят в первую очередь, наверное, работы Джотто, который является предзнаменователем эпохи Возрождения. Переход к реалистичному изображению, к перспективе, более лёгкому для восприятия искусству, более красивому, более гармоничному, чем было в Средних веках,  и, соответственно, светскому искусству. Работы Джотто являются знаковыми для смены эпох Средних веков и Возрождения.

Работы импрессионистов, здесь по классике все называют картину Моне «Впечатление. Восходящее солнце».  Можно взять любое другое произведение импрессиониста, и оно будет как раз являться вехой отказа от старого классического искусства и перехода к искусству современному.

Ну и, наверное, «Чёрный квадрат» Малевича, который тоже является таким этапом отказа от всех художественных изобразительных средств, которые были до двадцатого века и полные анархии искусства, полной смены художественной парадигмы, через которую шло всё искусство двадцатого века.

Colady: Как вы считаете, такие профессии, как искусствовед, библиотекарь, экскурсовод будут ли востребованы в будущем?

Анастасия: Экскурсоводы однозначно, да, потому что люди хотят путешествовать, узнавать много нового. Экскурсоводы всегда были, есть и будут.

Библиотекари, здесь вопрос, будут ли вообще сами библиотеки как таковые существовать в том виде, в котором есть, но опять же, однозначно, да, учитывая сферу научную, наверное, потому что всё-таки у библиотекаря есть специфические знания, которые недоступны многим другим. Будут ли они популярны и многочисленны, это уже другой вопрос.

С искусствоведами, наверное, то же самое. Я думаю, что искусствоведы скорее будут некими проводниками в культурной среде для духовного роста, для развития. Будут ли они востребованы большинством людей? Вряд ли.

Они не востребованы большинством и сейчас, и не были востребованы большинством и раньше. Потому что обращаться к духовному саморазвитию человек обычно начинает тогда, когда у него удовлетворены полностью все базовые потребности.

Когда есть еда, солнце, крыша над головой, какие-то базовые материальные ценности (квартира, машина, образование для детей), тогда он начинает думать о чём-то большем.

В принципе, не очень многочисленна та группа людей, которая способствует распространению культуры, поэтому проводники в этих сферах однозначно будут, они будут востребованы, если человек хочет эффективно развиваться в этой сфере.

Colady: Как творческому человеку создать крепкую семью и реализовать свой талант?

Анастасия: Честно, я не вижу проблемы творческим людям реализовывать свой талант, и при этом иметь крепкую семью. Да, есть примеры, когда семьи бывают не самые крепкие и сильные.

Потому что художников чаще всего считают такими творческими странными личностями, которые постоянно себе на уме, от которых непонятно что ждать, которые непостоянны в своих увлечениях, симпатиях и так далее.

Но это в принципе, заблуждение. Художники и любые другие представители творческой сферы, также обычные люди со своими ценностями и принципами, радостями и бедами.

Поэтому разделять, что этот человек творческий, а этот не творческий невозможно хотя бы потому, что творческие люди могут быть и в сфере IT, в коммерции, и в инженерных системах и много-много чем другом.

Творчество – это способность ума мыслить не так, как все поэтому если такие люди сами по себе склонны иметь крепкую семью и детей, работать над отношениями, то совершенно неважно творческие они или нет.

Художник реализует свой талант в любых условиях и находит себе такого спутника жизни, который ему в этом поможет. Этому в истории искусства есть масса примеров прекрасных семьянинов.

Например, тот же Рубенс, который был просто образцом привязанности, любви и нежности к своей супруге. И также многие художники, несмотря на то, что могли влюбляться во многих девушек, имели крепкие семьи и детей, которые их любили  и обожали.